Paradies und Paradox

Fotografien alltäglicher Ereignisse und Eindrücke aus dem privaten Umfeld (spielende Kinder, ein Picknick, Zimmerpflanzen, Menschen zu Hause, im Stadtraum, „in der Natur“) bilden den Ausgangspunkt. Die Bilder, die wir am Ende sehen, sind jedoch keine bloßen Wiedergaben in einem anderen Medium, sondern etwas ihnen entwachsenes Neues, das gleichwohl eine Ähnlichkeit mit ihnen haben kann. Dazwischen liegt ein Prozess, an dessen Anfang das fertige Bild nicht abzusehen ist. Zuerst wird aus dem Ereignis Material – das Motiv wird gedanklich in seine Bestandteile zerlegt. Diese Distanzierung vom Erzählerischen ist Voraussetzung für Solweig de Barrys Arbeit. Ihre Bilder sind nach rein kompositorischen Kriterien gestaltete Rekonstruktionen einer möglichen Wahrnehmung des Ereignisses, des zuvor dekonstruierten fotografischen Dokuments.
Sie nimmt sich alle Freiheiten. Nur noch dem Bild verpflichtet und diesem folgend, wählt sie Elemente aus, die nun eine völlig andere Form annehmen, zu Farbflächen oder Strichen abstrahiert werden können. Auch die Farbe steht auf dem Prüfstand, Farbenlehre und Gespür werden befragt, bis etwas ins Schwingen kommt. Diese Übernahmen und Transformationen probiert die Künstlerin in Zeichnungen aus, die sie dialogisch mit dem Gemälde schafft. Aus ihnen wählt sie die in diesem Moment beste Lösung, die indes bereits im Übertragen wieder abgeändert werden kann. Schritt für Schritt beschreitet Solweig de Barry den gerade erst aus akademischen Wissen und unbewusst Entstehendem, aus Nachspüren und Steuern sich bildenden Weg. Intuition und Reflexion ziehen ihre ureigene Linie aus zwei Meinungen. Der in ihrem Denken zentrale Begriff der Linie macht ihre Nähe zur Zeichnung deutlich. So nutzt sie nicht die Möglichkeit der Malerei, Teile des Bildes zu verwerfen und zu überdecken. Der so wichtige Schöpfungsprozess bleibt sichtbar, der Weg ist das Bild, das Gemälde eine Zeichnung: Gebilde aus Linien und Flächen in die Leere hinein. Vieles bleibt weiß. Ihre Malweise unterstreicht dieses Unfertige. Die zuvor genau geplanten Pinselstriche setzt sie gestisch. Zu- und Unfälle, die dabei möglicherweise auftreten, sind durchaus erwünscht und können Wegweiser für den nächsten Schritt sein. Jede vermeintliche Unsauberkeit, jedes „hingeschmiert“ erscheinende Element (das neben einem der Vorlage entstammenden auch ein frei hinzuerfundenes sein kann) dient dem Ziel, das Bild an den Rand zu bringen, zum Gerade-noch-Figürlichen, zum Gerade-noch-Gleichgewicht, schon ein Schwanken.

Und so steht man vor scheinbar spontanen Wundern an Leichtigkeit – Ergebnis einer Arbeit, die stets dem Prinzip von Dekonstruktion und Rekonstruktion folgt. Diese Spielregel ist elementar; sie bewirkt, dass den Bildern, so weit die Transformation und Abstraktion auch fortgeschritten ist, durch ihr Wurzeln im tatsächlich Geschehenen eine Wahrhaftigkeit und Lebendigkeit innewohnt. Elementar ist auch das festgelegte „Spielfeld“ der Leinwand, innerhalb dessen Begrenzung sich’s entscheidet. Hier muss das Wunder geschehen, die labile Balance erzeugt werden. Die Offenheit der Darstellung führt die Gedanken darüber hinaus: Wohin laufen die Linien, wie sieht der Raum aus? Auch innerhalb des Bildes stellt sich diese Frage. Solweig de Barry lässt sehr viel weiße Flächen offen, deutet räumliche Situationen meist nur an. Man ist beim Betrachten selbst gefordert, imaginiert Räume, konstruiert das angedeutete Geschehen, kann dabei etwas ganz anderes sehen als die Künstlerin. Auch das ist gewollt, die Bilder sind autonom. Durch die fragmentarische, gestische Malweise scheinen sie in ihrer flüchtigen Anmutung näher an einer erlebten Realität des Augenblicks zu sein als die ihn dokumentierende Fotografie. In Wirklichkeit aber sind sie davon viel weiter entfernt, nämlich pures Kunstwerk, intellektuelles Konstrukt.
All diese inneren und äußeren Gegensätze, die Solweig de Barrys Arbeiten kennzeichnen, machen die Beschäftigung mit ihnen so enorm spannend und erfreuend. Es seien hier keine Bilder aufgedröselt. Im übertragenen Sinn gilt den Betrachtenden Hölderlins Einladung an Landauer, Komm! Ins Offene, Freund!

Jörg Hennings

Relikte des Temporären
Zu den Arbeiten von Solweig de Barry

Wie transferiert sich die Flüchtigkeit eines gelebten Moments auf einen zweidimensionalen, statischen Bildträger? Welche Umrisse bleiben bestehen und welche verflüssigen sich durch den künstlerischen Prozess? Solweig de Barry modelliert das Temporäre eines Erlebnisses durch einen, für ihr Werk spezifischen, malerischen Abstraktionsprozess auf die Oberfläche ihrer Leinwände und Zeichenpapiere. Erinnerungen an alltägliche Erfahrungen und reale Situationen, die sich aus dem fotografischen Archiv der Künstlerin speisen, weichen innerhalb des Bildgrundes durch einen dynamischen Duktus auf und verflüchtigen sich. Oftmals bleiben konstruktive Elemente wie Striche und Muster als Skelette des Moments übrig, welche durch Farbflächen und gestische Pinsel- und Zeichenbewegungen auf weißem Grund vitalisiert werden. Das mittelgroße Bildformat ihrer Gemälde ermöglicht es der Künstlerin, während des Malaktes mit ihrem gesamten Körper in diesen ‚Abrieb‘ der Realität involviert zu sein. Zeichnerische Interventionen dienen ihr dabei als Vorstufe dieses Prozesses, während dem sie unterschiedliche Reduktionsstufen untersucht. Ähnlich einem klassischen Substraktionsverfahren in der Skulptur reduziert de Barry in einem gedanklichen Vorgang Schicht für Schicht der Ausgangsform – also in ihrem Fall der fotografischen Vorlage –, bis von dieser nur noch ein fragmentarischer Eindruck übrig bleibt. Doch was genau ist die abstrakte Essenz der Gegenwart, welche sich auf ihre Maluntergründe überträgt?

In Stadtwald (2019) wird der obere Bildrand von fünf breiten, schwärzlichen Farbbahnen belegt, die hinter einem grünlich-rosanen Geflecht am unteren Teil der Leinwand verschwinden. In geschwungenen, wilden Strichen wuchert das bunte Gebilde über die regelmäßigen Pinselsetzungen im Hintergrund hervor und umspielt dabei einen weißlichen Bereich. Die helle Farbfläche scheint als eine Art Lücke stehen geblieben zu sein, die während der malerischen Reduktion unbesetzt blieb. Die Abstraktion des fotografischen Ausgangsmotivs, das ein Kind vor einer Grünfläche in einer städtischen Umgebung zeigt, ist so weit vorangeschritten, dass nur noch gestisch gemalte Flächen, Linien und Farben des ursprünglichen Moments zurückbleiben. Die einzelnen Bildelemente formen dabei ein dreidimensional anmutendes neues Ensemble, das sich mit dem Bildträger zu verweben scheint.
Ähnliches passiert in der Arbeit Ohne Titel (2020), an dessen linkem Bildrand ein Getümmel aus olivgrünen, schnellen Pinselbewegungen von einer horizontalen, magentafarbenen Linienreihe überdeckt und unterbrochen wird. Im Zentrum der Leinwand befindet sich eine fragmentarische ovale Form, von der aus vier rote Linien in die oberen Bildecken ausstrahlen. Während in der fotografischen Vorlage noch eine Figur im Mittelpunkt der Aufnahme abgebildet ist, wird diese durch den malerischen Prozess reduziert. Klare Umrisse und Repräsentationen werden von unbestimmten, formlosen Farb- und Linienbündeln abgelöst.
In Ohne Titel (2019) hingegen überträgt die Künstlerin die ursprüngliche Fotografie direkter und figürlicher in das Medium der Malerei. Eine runde Struktur, die durch Streben gegliedert ist, lässt klare Assoziationen zu einem Rad zu; das sich darüber befindliche, diagonale Rohr ergänzt das Rad zu einer Kanone. Darauf platziert sind zwei Personen – eine braunhaarige, sich bückende, und eine kleinere Gestalt, die sich auf deren Rücken befindet. Im Hintergrund sieht man eine breite blaue Fläche. Sich abstrakt und ohne klare Umrisse horizontal über die Bildfläche ausbreitend, erinnert sie an eine weit entfernte Landschaft.

Solweig de Barry modelliert in ihren Arbeiten neue Welten. Mittels Substraktion zerlegt sie den Bildgegenstand sukzessive und verhandelt damit die Begrenzungen des ursprünglichen Bildmotivs und die ihm innewohnende Flüchtigkeit neu. Durch die radikale Reduktion von Perspektive, Bildaufbau und Realitätsnähe entwickelt die Künstlerin in der farbigen Flächigkeit der Formen und Linien so ein neues, immaterielles Abbild persönlicher Momente.

Sonja-Maria Borstner